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　　上世紀最著名科幻作家阿西莫夫，曾驚嘆于第一代計算機卓越的運算速度，斷言這牛X的機器造上四五臺就夠全世界用了

　　上世紀最著名科幻作家阿西莫夫，曾驚嘆于第一代計算機卓越的運算速度，斷言這牛X的機器造上四五臺就夠全世界用了。他當時面對的是幾層樓高的巨型計算機，而今天哪怕最普通的筆記本電腦，計算能力也遠遠高于那個龐然大物。而且顯然我們永遠都會覺得自己的電腦“太慢了”。由此可見，任何遠見卓識的人，也無法真正意義穿越他所在的時代。從1962到2013，金馬獎共計選出了50部最佳影片，這些電影有的歷久彌新，今天看來還是經典；有的受時代所限，已經光彩不在。

　　1.借著“金馬50”這個很討喜的契機，鳳凰網娛樂電影策劃組將金馬五十部最佳影片重新排名，選出金馬獎中的“汗血金馬”，并邀請知名影評人及電影學者揮筆撰文。這五十幾年的五十部電影，是金馬作為當前華語電影圈最具公信力電影獎的核心價值，因此重排金馬，某種意義上就是重新梳理定義金馬。

　　2.我們盡力回避時間的催眠效果、個人塊壘抒發、學術權威盲目崇拜與學術盲目反對，試圖做到客觀理性，只從電影的題材、角度選取、好不好看、時代紀錄意義與完成度等幾個方面考量。也就是說，這次金馬50部的重排，是站在2013年影迷角度的重排，而不是騎在電影史上面的、高高在上的重排。

　　3.整個重排過程我網編輯多次發生激烈爭論，可見喜歡電影跟喜歡女神一樣眾口難調。所以評選結果只代表鳳凰娛樂一家之言，僅供各位網友參考，或按文索驥尋找佳片。

　　4.最后，電影只是消費品，每次被觀看一次，能量就會被折損一部分。文本意義上不存在永恒的佳片。金馬甲子更討喜，到時候再重排一次。

　　其他提名的影片：第48屆金馬獎上，同獲最佳影片提名的還有《桃姐》《鋼的琴》《讓飛》《到阜陽六百里》4部重磅和誠意之作。

　　82年前，原住民賽德克族在頭人莫那-魯道的率領下，發動了式的抗日起事，先在南投縣的霧社向日本平民展開復仇式，然后退歸山林，以三百勇士對抗三千日軍，至死方休。這是一場明知無幸，依然飛蛾撲火般的反日抗爭在電影界，魏德圣努力程度、執著程度有目共睹，態度也謙遜至自稱“小導演”。從他本人的維度來看，《賽德克-巴萊》確實是其最好的作品，雖然為了追求史詩風格、宏大敘事，而拖延到笨重臃腫的270分鐘。

　　客觀來說，比起陰柔的《海角七號》以及長期萎靡的電影界，《賽德克-巴萊》確是威武雄壯的；然而比起《桃姐》《鋼的琴》《讓飛》等同年入圍者，它卻實實在在是一只紙老虎。有趣的是，為在內地順利上映，魏德圣重新剪輯后的153分鐘版，相比臺版反而更洗練、更精純，甚至充滿了令人屏息的力度和胸懷。魏德圣雖然以“楊德昌副導演”之名受人頂禮、甚至膜拜，但卻著實是一位遠未成熟的電影工作者正如寫文章一樣，不知如何擱筆，實在稱不上是一位一流作家。

　　當年獲獎情況：最佳劇情片獎、最佳導演獎、最佳童星、最佳彩色攝影、最佳剪輯、最佳彩色美術設計獎

　　少女若蘭童年時期因患小兒麻痹，將自己封閉起來。在成長的過程中，她與從小一塊長大的大衛產生情愫，一直默默喜歡她的文雄則守護著他。后來，若蘭讀懂了文雄的良苦用心，謝絕了大衛的好意，和文雄一起參加蘭花比賽。當主辦方宣布若蘭和文雄一起培植的蘭花得了金獎時，若蘭奇跡般地站了起來，蹣跚著向主席臺走去。

　　雖然延續了第三屆《養鴨人家》的“健康寫實主義”套路，但到了第五屆，這種套路的電影，純粹成為了意志的產物，呈現出一種不真實的“正面導向”，不僅情節無趣，主題展現也并不鮮明。按理說女主角該是身殘志堅的典范，但實際上更多被表現的是三角戀中的小家子情緒，而種植蘭花就能讓殘疾的女主角奇跡般站起來的結局，如今看來只能說是天雷滾滾，這種“想象力”無疑違背了科學常理，再度證明該片獲獎的荒謬性。

　　筧橋驅逐機四大隊隊長高志航，是位出色的飛行員，素以訓練嚴格，作戰勇敢著稱。淞滬戰爭爆發的次日，1937年8月14日，高志航率大隊痛殲日本來犯的木更津航空隊。大隊飛行員個個英勇奮戰，視死如歸。沈崇誨以戰機撞擊日本軍艦出云號而壯烈犧牲；閻海文因墜落日軍陣地，為免于受辱而拔槍自盡；劉粹剛則獨立應戰而與敵人同歸于盡。高志航一人擊落六架敵機，首創殲敵紀錄。筧橋的英烈們首戰告捷。11月21日，日軍又從空中來犯，高志航率E16戰斗機從蘭州起飛，在周家口擊斃日本空軍將領原田浩后壯烈犧牲。

　　早在14屆金馬獎，大獎的選擇還是分外“主旋律”。這部除了空戰之外略顯空洞的電影，即使拿到大獎，也沒能名垂影史。本片主題，就是宣傳中華空軍的歷史，塑造了空中大隊長高志航、劉粹剛、閻海文、沈崇誨壯烈犧牲的抗日英雄形象，對觀眾進行愛國主義教育。唯一可以令人稱道的，以70年代的技術背景拍出了逼真的空戰場面。此外，片中軍嫂因為丈夫犧牲而的內容，并不容易讓人接受。比較諷刺的是，這部抗日電影由日本特攝團隊支援拍攝，也算是一大嗟嘆了。

　　廣州黃花崗起義失敗后，同盟會中部總部派元老譚人鳳到武昌，組織有不少同盟會會員的四十一標新軍蔣翔武為首的文學社，與孫武、鄧玉麟為首的共進會兩派，團結一致，武裝起義推翻清王朝。總督瑞征與統制張彪派四十一標新軍前往，文學社與共進會推舉孫武為領導，修定計劃。10月10 日黨人以工程第八營率先起義，軍分三路攻湖廣總督府。 次日軍占領武昌城，風暴席卷全國，終于推翻了清王朝。

　　本片又是一部徹頭徹尾的“軍宣片”，演員的表現略顯夸張，說好聽點是熱血激蕩，說難聽點則是煽動過頭反成滑稽。影片要處理多條錯綜復雜的關系，顯得有些凌亂。當然它對辛亥也提出了一種新的角度，弱化了孫文的力量，而強化了社會幫派的作用，從另一方面來說，黨的覺悟也被弱化，“”仿佛成了“行俠仗義”和“反清復漢”的新解釋。

　　當年的褒獎，恐怕更多是為了給“大制作”獎勵，本片是邵氏與中影合拍、港臺首部反映辛亥勝利的影片。一方面，邵氏出動了狄龍、汪禹、爾東升、陳觀泰、羅莽等明星，而方面有林鳳嬌、柯俊雄、王道等大牌，另一方面，大歷史背景下的場面也算拍得大氣磅礴。但嚴格說來，它比不上《苦戀》的人文氣質和主題力度。

　　當年獲獎情況：最佳影片、最佳導演獎、最佳原創劇本獎、最佳攝影獎、最佳剪輯獎、最佳電影原創音樂獎、最佳錄音獎

　　有的時候，越充足的情感，越是需要在主題判斷上做一個“了斷”。《七小福》的情感在各種維度的情感都有強烈的追求欲，在香港文化史的一角注視著傳統藝術被現代工業沖擊，歷史背景中有各類性格孩子的懵懂記憶，如期而至的愛情，師徒情學友情，悼念以及數不清的遺忘真實中的大徒弟扮演當年的老師傅，戲中有戲是巧，但表演上不敢做何怠慢是真（或者說做些額外的感想），這一切，都太像我們遐想中的情境，太像作為宗師而宗師的“葉問”，而最后所謂的舊人舊事舊情，僅僅是它所呈現出來的樣子而已。

　　何為經典電影，不但要尋找通感的方式，也要給理性留有余地，思辨后的感性才經得起回味。《七小福》缺少一種核心態度，就像羅啟銳后來的《歲月神偷》，能賺得眼淚但不會讓任何一個事外者有重新查閱舊時光的刺激，但是一旦當中有曖昧不明的態度進入架構中的情感，就會遭到懷疑，比方說《歲月》中對英國上門收稅的描寫，就引起評論學者的不滿，至少，那不應該是浪漫中的一部分。《七小福》緬懷到最后，對主人公們在新時代電影工業上的成就豎起拇指，這個結論建立在睹物思情之上，作為人生哲理，它顯得太過單薄。

　　我們只能從歷史的角度追溯它的價值。1988年，正是洪金寶、成龍、元彪紛紛自助公司自建班底的時刻，在周星馳還沒笑出名堂，周潤發剛剛火起片刻，“七小福”的確就是當時香港電影的龍頭老大，從市場來看，甚至是電影的龍頭老大。在文藝氣氛中樹碑立傳，那真的是一件賺取休聲美譽的好事。但是現今來看，他們各自的形象，各自的跡象，各自的念想，都在公眾對他們的態度上反應出來《七小福》中于占元先生傳教的東西，和現實里似乎都不大一樣。時過境遷，至少我們無法再從這部電影中得想象中信仰所具備的那份偉岸。

　　如果選擇了一個能為自己加分的話題，而在拍攝手法上流于平庸，那是一種懶惰，如果選擇了一個能為自己加分的話題，不流于平庸，卻又故意夸大這個話題中的加分元素，則是一種不誠實，陸川的《可可西里》屬于后者。乍一看，本片在反映保護藏羚羊志愿者生存狀態的問題上，相當深刻，也很感人，但當我們深入去了解電影背后的真實，會發現，陸川對當下電影市場最買賬的元素，做了不切實際的處理，而在做了這樣的處理之后，陸川透過電影表現出來的態度卻是：這是一部完全基于現實的電影，它的寫實程度不亞于紀錄片。因為這個時候放棄紀錄片式的真實力量，對打動觀眾來說，顯然是不明智的。《可可西里》里的角色，或者說角色的原型值得我們崇敬，但這部電影卻是在消費他們。而在這個電影很多，信息龐雜，生活壓力很大的時代，作為觀眾的我們，多數是沒有太多精力去一探究竟的，我們把全部的信任，交給了呈現著那片土地的大銀幕，金馬獎評審團想來也是如此，總之，本片不但對上了市場的口味，也對上了金馬獎的口味，畢竟，它“沉重的人文關懷”正中靶心。

　　《星星月亮太陽》是在第一屆金馬獎上獲得最佳劇情片的電影，講述了在抗日戰爭前后，三個個性迥異的女性與男主角的情感糾葛，并由這些小人物來反映大時代，電影分上下部，篇幅很長，但由于劇情起伏過多，完全是長篇電視劇的模式，所以，本片的節奏很趕，在敘事上依然顯得平鋪直敘，如同故事梗概般缺乏血肉。但是，本片卻擁有此后金馬獎一直比較偏愛的一些特點，如探討不同人的生存狀態，人性光輝和人文關懷，提及卻不觸及敏感領域等等，加上它有一個比較恢宏的時代背景，作為開局，也挺有范兒的。

　　第13屆金馬獎上，愛國主義題材的電影爆棚，《八百壯士》、《香花與毒草》、《古寧頭大戰》、《梅花》等影片皆是抗戰愛國題材。現在看來，《梅花》也不過是主旋律抗日電影中爛大街的一種，確切的說，是主旋律抗日電視劇里最常見的一類，國仇家恨，男女感情糅雜在一起，抗日愛國人士以高大全的形象出現。相比起同時代類似題材的電影，《梅花》的演員陣容十分強大，胡因夢、恬妞等人都是正當紅之時，劉家昌為本片譜寫的主題曲也十分槍眼，這些優勢無疑為它獲得最佳劇情片大獎助力不少。

　　本片的片名直接明確，但內容落實卻混亂不堪，當觀眾看到這樣的片名，期許著一部感人至深的父子情電影時這也是香港電影十分擅長的，卻看到的是各種情緒處理的不到位，父子間的互動缺乏亮點，角色的塑造也相當含混，讓電影變得更加糟糕的，則是各方面的用力過度，比如剪輯，也許導演做了多年的剪輯和藝術指導工作，試圖在這方面凸顯個人風格，在片中夾帶了太多似乎為了創造各種含義，或者各種情緒而存在的鏡頭剪接，反而讓影片的情緒顯得斷斷續續。不過，在入圍名單中，《瘋狂的石頭》和《放逐》都不是金馬獎最親睞的題材，《詭絲》各方面的實力都較弱，《如果，愛》是唯一一部在情感和藝術走向上，跟《父子》有些競爭的電影，而它拿走了最佳導演，《父子》拿走最佳劇情片，人人有份。

　　退伍老兵老莫用積蓄買來玉梅做老婆，玉梅賢惠善良，最終兩人感情日益深厚，生活也越過越甜蜜；老莫的戰友常若松也是用積蓄買的老婆，名叫瑪娜，但他的老婆卻整天跟不良青年混在一起，最后下場凄慘，這條次線的處理，在《老莫的第二個春天》里是一大瑕疵，過于簡單粗暴，其作用似乎只是為了對比出：只有像玉梅這樣溫良影視世界從前任開始，甚至有些逆來順受的女人才能得到幸福。玉梅和老莫的這條主線本身并不存在問題，畢竟，接受被賣過來的現實，好好過日子是玉梅自己的選擇，但次線卻單純被作為了反面教材，其實瑪娜只是跟玉梅相反，選擇了消極反抗而已，這本是一條能給電影帶來更多深度的線索，最終卻過于淺白和煽情，從實力上來看，擊敗侯孝賢《風柜來的人》，確實有些說不過去，但它

　　當年獲獎情況：最佳劇情片、最佳女主角。最佳原創劇本、最佳攝影、最佳服裝設計、最佳剪輯、最佳錄音、最佳原創音樂

　　三個分別來自中國、香港和的女人，遠在異國他鄉的生活際遇，這確實是一個充滿話題感的設定，或者說是概念，但在短短88分鐘篇幅的《人在紐約》中，話題尚未完全展開，概念也真的被處理成了概念，導致影片開啟了一個深刻的話題，卻未能深入展開，僅靠對女性情感的表述較為細膩，就擊敗了當年的大熱門《悲情城市》，這是令關錦鵬導演自己都羞愧難當的一件事。不過話說回來，侯孝賢在金馬獎充當“陪坐”，也幾乎成了家常便飯，這一次，是故事主題的敏感性把他阻擋在了最佳劇情片的大門外，對于話題，金馬獎似乎一向如此，它不完全對其排斥，比如《人在紐約》多少也有些感在里頭，但它很少喜歡說的過深的電影。

　　《小鎮春回》，一部關于某家庭三個女兒的婚姻大事的電影，其中大女兒內向，二女兒能夠持家理財，三女兒是歌星。覺得這樣的設定有些面熟？沒錯，這是金馬獎喜歡的一大類型。而在1960年代后期，《小鎮春回》還是一部響應當時開展凈化道德運動號召的作品，可謂順應了主流，當年很多電影都沒有脫開這樣的家庭倫理去謀篇布局，本片是各方面都做得比較到位的一部，但也僅此而已。

　　《爸媽不在家》是第50屆金馬獎的大贏家。也是新加坡青年導演陳哲藝的第一部長片。除了在國際影展上披金斬銀，《爸媽不在家》的最大意義是給新加坡電影注入了信心。對中國觀眾來說，難得看到一部比較扎實沉穩的中產階級家庭題材，甚至，這也是華語電影里頭異常重要但在當下卻稀缺的題材類型。有人說，《爸媽不在家》讓他們想起了楊德昌，當然，楊德昌的格局恐怕會放得更大，而不僅限于一個家庭，但這種聯想的產生卻是有足夠的事實和理由。

　　本片有著一股濃濃的四十五度角仰望天空，眼角有淚滑過的感覺，實際上，電影里還真就有這樣的鏡頭，唯一的區別可能只是，四十五度角仰望天空的女主角沒有流淚，而是用最甜膩的腔說道：”我喜歡陽光的感覺，但是,天空總是陰陰的。”BGM是提琴演奏的傷感的旋律，于是，各種元素柔和，使得即使在一部電影里，這樣的腔也顯得刻意造作。一個普通家庭的冷暖人生，在《當愛來的時候》通篇歇斯底里的狀態中，不但不能自然流露真情，反而像是八點檔狗血劇。第47屆金馬獎是存在爭議較多的一屆，主要集中在演員獎項上，不過，這導致很多圈內人和媒體認為，近些年金馬獎雖然努力在兩岸三地的電影選擇中做到公正，但它還是更偏愛走傳統電影路線，表現某些群體眾生相的作品，這種評判，至少在當年的金馬獎最佳影片的選擇上有些道理，商業和藝術都不是入圍片里最出色的《當愛來的時候》，恰是最有臺味的。

　　本屆金馬獎跟以往喜好百姓家常、小格局、人文氣息不同，而是一派江湖俠氣，重要獎項皆被武俠、武打或動作片占據，比如改編自楊門女將事跡的《十四女英豪》、李小龍主演的《猛龍過江》，以蔡鍔為主角的《忍》，其中，大熱門《十四女英豪》和《忍》，前者是邵氏出品的香港片，后者是本土片，若從品質上來說，《十四女英豪》更勝一籌，拍得比較大氣，富有史詩感，動作戲也很有想法，人梯的那場戲令人印象深刻，《忍》則是將動作戲依托史實背景，亮點不多，不過，他塑造了一心為公，反抗袁世凱統治的蔡鍔，也算得上是當年合格的主旋律了。

　　金馬獎一貫親睞富有人文關懷，反映民情民生，最好是略微苦情一點的電影，這種傾向在金馬獎早期更是明顯，而1967年，導演李行獲得最佳劇情片的《路》，就完全符合這些特點，但是，在追求實現這些主題，情緒的時候，《路》處理得有些概念先行，情節推進不夠自然，有刻意之感。時間也證明了本片其實是李行導演生涯中比較普通的一部作品，它很快被觀眾淡忘，同年獲得獎項的作品，如獲得優等劇情片獎、邵氏出品，胡金銓導演的《龍門客棧》，則歷久彌新，成為經典。

　　上世紀八十年代中期，是侯孝賢巔峰期的開始，金馬獎也因有了這樣一位導演的“參與”，變得更加精彩，但由于那時正是電影新舊思想交替之時，評審團內部也常常存在兩種不同的聲音，這也導致侯孝賢雖然經常入圍，卻總是做了陪襯，第22屆金馬獎最佳劇情片得主，最終敲定為《我這樣過了一生》，就是經典電影對新電影的勝利，本片無論在手法還是表達的道德觀念上，都符合“舊派”口味。

　　獲獎情況：最佳劇情片、最佳導演、最佳原著劇本、年度杰出電影、觀眾票選最佳影片（第46屆）

　　《不能沒有你》是一部很容易調動觀眾感情的電影，在這一點上它很出色，但這種力量，有至少七成來自于它的取材。電影根據2003年的一則社會新聞改編，片中父女親情卻要因政府制度的不合理、官員的遭到分割，這種事情本身就讓人憤怒且同情，只要處理的中規中矩，不出偏差，都不會有大問題，而《不能沒有你》恰恰是滿足于中規中矩的，而且，父女在互動的處理上，甚至有些弱。不過，本片在2009年上映之后，就一直是熱捧的作品，包括被報送奧斯卡最佳外語片，加之同時入圍最佳影片的其他作品，明顯不合當時金馬獎的口味，所以這部還不錯的電影當年獲得大獎，并非意料之外的事。

　　跟張作驥絕大多數電影一樣，《美麗時光》將鏡頭對準了邊緣的、底層的人，主題是殘酷青春，情緒渲染比較到位也很動人，但對于金馬獎最佳劇情片這個名頭來說，《美麗時光》還是有些平庸，它重復著電影中最常見的情緒和話題，美學上又太像侯孝賢而沒有導演自己的突破，但是因為當年入圍的幾部電影都沒有太多亮眼的表現，加上世紀之交正是中國電影比較低迷的時期，連政府都在想辦法鼓勵本土電影，所以在實力差距不大的情況下，略微有些偏向似乎也是可以理解的。

　　陳可辛的文藝與細膩，放在他的電影里，體現的是他的個人風格，但放在《投名狀》里，就像在涼皮店里點咖啡，還非要把肉夾饃叫成培根土司一樣奇怪，《投名狀》故事的草根，跟陳可辛的小資，被硬生生地塞進了片子里，卻只產生了貌合神離的效果，有時候連貌可能都不太合。電影存在的另一個問題，就是不該采用夾敘夾議的手法，把故事講成了學校議論文。每一段情節后，都會有金城武扮演的三弟說一段煽情旁白，每一段情節中間，都會有李連杰扮演的大哥，來一段“我其實不想發言，但你們非要我說我就講兩句”的校長式說教。不過，無論藝術與商業是否結合完美，煽情和說教是否顯得太多，《投名狀》在定下了“人文關懷”的基調后，用力倒是十分集中，這個點在片中十分突出，也因此擊中了評審團的淚點。

　　其他提名的影片：《早安臺北》、《六朝怪談》、《金榜浪子吳祥輝》、《鄉野人》、《瘋劫》、《碧血黃花》、《古寧頭大戰》、《地獄天堂》、《》、《俠骨英雄傳》、《源》、《賭國仇城》

　　1979年的《早安臺北》同樣被評論界視為李行創作晚期的“健康寫實作品”，由銀幕黃金搭檔鐘鎮濤和林鳳嬌出演，但這部影片和《汪洋中的一條船》、《原鄉人》、《小城故事》的氣質有著很大的區別，那就是淡化了他過去擅長的強情節敘事和的商業俗套，讓影片充滿一種少有清新跳躍的現代都市情緒。這部作品由小野提供故事，侯孝賢編劇，實際上已經帶有某些后來新電影的質地和感覺，作為侯孝賢的恩師，顯然李行調整自我創作風格的方面具有超乎常人的能力。

　　獲獎情況：最佳劇情片、最佳編劇、最佳男主角、最佳彩色攝影、最佳彩色片美術設計、最佳（非歌劇片）音樂

　　《緹縈》是李翰祥在1970年結束“國聯”后為“中制”拍攝的古裝片，由謝賢、王引和甄珍主演。影片取材自傳統民間故事，李翰祥將其改編成為細膩繁復的宮闈權謀之戰。影片服裝布景考究，人物塑造細膩，場面調度純熟，充分展現了李翰祥對歷史題材的掌控能力。當時的廣告上稱：百行孝為先，流淚看緹縈；生女不生男，嚎啕哭緹縈由此可見此片感人肺腑的程度。

　　《》是著名演員陳沖轉型導演后的第一部作品，這部講述時期知青生活的影片，讓當年只有十七歲的李小璐獲得金馬獎最佳女演員獎。影片對于非常時期人性的善惡有著出色的刻畫，深入剖析和思考了個人與歷史之間的復雜關系，整體帶有鮮明的女性主義觀點。

　　其他提名的影片：《小城故事》、《山中傳奇》、《成功嶺上》、《春寒》、《香火》、《歡顏》、《一個女工的故事》、《冷血十三鷹》、《乾隆下揚州》、《黃埔軍魂》、《醉拳》、《寶島警騎》

　　《小城故事》同《汪洋中的一條船》一樣，是李行70年代末拍攝的健康寫實作品。影片由鐘鎮濤和林鳳嬌主演，反映小城中質樸的愛情觀念和溫暖的人情人性。這類作品基本都有三個特點：一，濃郁的鄉土味；二，質樸的人情味和傳統的倫理觀；三，民族自強不息的精神。鄧麗君為影片演繹的主題曲，至今在華人世界久為傳唱。

　　《吾土吾民》改編自讓-雷諾阿導演、查爾斯-勞頓主演的同名作品。原片講述德國入侵法國，法國生性怯懦的小學教師維護尊嚴的故事。李行將背景移至至抗日戰爭時期的中國，強調維護土地尊嚴的重要性，帶有明顯的主導性意識形態，王引、秦漢、鄧光榮、林鳳嬌等實力派演員的共同出演為影片添彩。

　　其他提名的影片：《喜宴》、《籠民》、《秋月》、《五個女子與一根繩子》、《異域Ⅱ--孤軍》、《戲夢人生》

　　《喜宴》是李安“父親三部曲”的第二部，也是他從青澀走向成熟的重要性階段作品。影片在劇作上展現了李安所擅長的“中西交融”題材，圍繞著男主人公的結婚問題，設置了沖突和障礙，影片節奏明快，富有趣味性又耐人琢磨，除金馬獎外也曾獲得柏林電影節金熊獎殊榮。

　　、最佳改編劇本其他提名的影片：《假如我是真的》、《同班同學》、《我的爺爺》、《夜來香》、《皇天后土》、《大湖英烈》王童難得一見的飽含意識形態的作品。影片改編自沙葉新的傷痕文學作品《騙子》，描寫了下放農場的李小璋，獲悉女友懷孕，唯有上調工作才能保護女友，于是冒充子弟照樣撞騙，最終被揭穿騙局，弄巧成拙，造成悲劇。影片獲當年金馬獎最佳影片、最佳編劇、最佳男主角（譚詠麟），但它對于內地內容的處理流于簡單想象奈菲影視劇官網，曾被內地批評界指出諸多不實之處。

　　最佳女配角獎、最佳服裝設計獎、最佳視覺效果獎其他提名的影片：《天下無賊》、《天邊一朵云》、《龍城歲月》、《最好的時光》《功夫》是周星馳成為導演以來最成熟穩健的作品，編導演攝錄美幾乎沒有瑕疵，同時沾染了明明白白的周星馳的個人特色，影片中能看到所謂后現代無厘頭喜劇的明顯特征，如戲仿、解構、拼盤雜燴等等。但周星馳的《功夫》與過去的無厘頭喜劇有很大的進步，他在商業的外表下，飽含有個性化、嚴肅的主題。周星馳似乎是查爾斯-卓別林和巴斯特-基頓的混合體。作為導演，他拿來了卓別林作品中的悲喜劇風格。而作為演員，他拿掉早期喜劇中的神經氣，而以基頓式的冷靜與沉穩示人。《功夫》由始至終，貫穿了一個“化蛹成蝶”的主題，用它概括周星馳的奮斗歷程，當是再恰當不過。

　　作為第八屆金馬獎的最大贏家，《家在臺北》的真正價值還在于現實意義，呈現了當時崇洋媚外的社會風氣，包括年輕人出洋留學成風、不愿回等現 象。影片改編自女作家孟瑤的小說《飛燕去來》，以機場為空間前后呼應，精心描摹了一群游子“歸去來”的心境。相比于同年入圍金馬獎的《新不了情》《歌 聲魅影》等片而言，《家在臺北》并沒有真正別具一格之處，更多還在于社會價值。

　　最佳男主角獎、最佳女配角獎、最佳攝影獎其他提名的影片：《還君明珠雙淚垂》、《精武門》、《真假千金》、《萬事如意》、《水滸傳》《秋決》是李行創作生涯中評價最佳的電影之一，被譽為飽含存在主義精神氣質的古典佳作。《秋決》是古裝片，但它并非是對歷史故事的搬演或改寫，而是 基于虛構的嶄新創作。影片的場景非常簡單但充滿余味，描寫了一個死刑犯內心如何被洗刷澄凈的過程，表現影片所強調的主題“天有好生之德”，令觀眾思考自 省。影片的文化意旨扎根于中國的傳統文化倫理，畫面上借鑒了中國的國畫影響，以暗藍和淺赭為主，有介乎黑白片和彩色片之間的趣味。《秋決》雖然是一出東方 悲劇，但是沒有被弄得只是肅殺蕭條，正像片尾曾是殺人犯歐威從容赴死，它在片中展示了積極的希望。在李行龐大的創作系譜中，《秋決》是一個異數，它既不像 健康寫實的鄉土倫理片，也不像他后期轉向商業娛樂的愛情文藝片，這是他創作中期（也是巔峰時期）最重要的一次電影實踐。

　　最佳男配角影視世界從前任開始、最佳音效其他提名的影片：《不見》、《不散》、《PTU》、《盲井》《無間道》這部作品叫好叫座，如果在新世紀以來的香港電影中挑選最佳，它應該可以輕松躋身三甲。《無間道》的成功一方面得益于全面均衡的藝術表演，編導演俱佳，尤其警匪“雙向臥底”模式頗具新意，為警匪片打出一片新天地。另外，影片暗合了香港民眾的身份焦慮，成為疏導觀眾內心重要依托。《無間道》的劇本后來被馬丁-斯科塞斯買下，翻拍成美國黑幫片獲奧斯卡獎，這也從另一個側面反映了《無間道》的不俗成就。

　　其他提名的影片：《手足情深》、《鄉野奇談》、《蒂蒂日記》、《煙水寒》電影10000網、《賣身契》、《永恒的愛》、《玉蜻蜓》、《多情劍客無情劍》、《望春風》、《微笑》

　　《汪洋中的一條船》由秦漢和林鳳嬌主演，是李行60年代“健康寫實主義”觀念在70年代末的成功再現。這部電影1986年10月通過非正規的渠道引入內地，引發巨大轟動。李行對此回憶說：“《汪洋中的一條船》在香港地區賣的不算太好，但是在內地非常賣錢。我在內地的知名度就是靠《汪洋中的一條船》。其實當時電影公司并沒有把這個片賣給內地，它是通過中國香港的公司流入到內地的，結果卻意外的受歡迎。” 在那個還沒有版權觀念的時代，就這樣陰差陽錯地促成了《汪》片的“破冰之旅”，也為李行1990年率導演代表團第一次訪問打下了堅實基礎。

　　《甜蜜蜜》是迄今為止陳可辛藝術成就最高的作品。片中細膩哀婉的人物、詩性靈動的鏡語、深沉無奈的惆悵極似出自一位女性導演之手，更使人感悟到陳可辛自身遷徙生活的投射。《甜蜜蜜》描述了內地來港的青年男女黎小軍、李翹十年間的情感歷程，其間又糾纏了另外兩段難舍的情愫。他們在麥當勞餐廳偶然相識，元宵節一起賣鄧麗君磁帶，一起炒股票，身在異鄉，相互安慰，最終變為無法釋懷的愛戀。片名“甜蜜蜜”更多負載了兩個青年相似的文化記憶，而殘酷而冷漠的社會使得現實的生活充滿艱險與跋涉，并預示著李翹為代表的異鄉人“香港夢”的破碎。

　　《神探亨特張》是由新聞專業出身的高群書執導，以真人真事為基礎，反映北京基層反扒民警的生活。影片在拍攝上采用了紀錄片式的表現方法（比如跟拍和的運用），并全部聘用非職業演員；這些演員中很多又都是網絡名人，如張立憲、史航、寧財神等等，采用微博營銷，讓影片成為了被網絡人群津津樂道的話題。《神探亨特張》在金馬斬獲大獎曾經引發評論界的質疑和爭論，有影評人曾批評高群書這部影片質樸的外表和名人玩票的內核充滿了矛盾，而高群書也坦承這部影片在創作中為獲獎而專門揣摩了金馬獎的喜好和路子，但無論如何，影片對于現實北京生活的介入以及純熟的掌控能力都是非常值得稱道的。

　　導演：嚴浩獲獎情況：最佳劇情片、最佳導演、最佳女主角、最佳女配角、最佳美術設計、最佳攝影、最佳造型設計、最佳電影音樂

　　《滾滾紅塵》由著名導演嚴浩和女作家三毛聯袂創作，影片內容影射了20世紀40年代女作家張愛玲與“汪偽政權”宣傳部副部長胡蘭成的感情糾葛，影片在金馬獎獲獎不久三毛不幸離世，因此這也成為她唯一一部電影劇本創作。嚴浩在拍攝方面和鏡頭、音樂、影像的塑造運用上，運用了許多的實驗性的手法，從而讓影片在傳統情節劇的內核中煥發出心意。羅大佑作曲，陳淑樺演唱的同名主題曲，也為影片情景的襯托添色不少。

　　《女人四十》屬于香港觀眾非常熟悉的“師奶”電影，它具備許鞍華作品所一向堅持的嚴肅主題，飽含了真正個人性的情感，又不脫某種知識分子言志的心態。影片成功的核心在于蕭芳芳，她也憑借此片獲得柏林電影節最佳女演員殊榮，影片有淚有笑，帶給人別樣的詩意和溫馨。

　　其他提名的影片：《威龍闖天關》、《浮世戀曲》、《故事Ⅲ超級》、《黃金稻田》、《暗戀桃花源》

　　王童生在，長在臺北，他的作品都用強烈的情感描述中國近代的民族悲劇，無所隱晦地表露一個民族沉痛的滄桑歷史。《無言的山丘》把視角鎖定日本殖民統治的初期，用歷史架構的史詩，呈現導演擅長的質樸人類求生的母題，凝聚大時代中小人物的生存意志。由吳念真創作的劇本，豐富、有趣、文學性強，人物充滿象征性意味，不流于濫情。

　　蔡明亮生于馬來西亞，20歲遷居。《愛情萬歲》是他的第二部作品，并為他奪得威尼斯金獅獎、費比西獎和金馬最佳導演獎。從這部作品中我們能夠看出，他的作品承繼于新電影的一代，但是又有更極致的個人風格化的表現。譬如，同樣都是表現人在都市中的孤獨無力，同理性克制的楊德昌相比奈菲影視劇官網，蔡明亮的人物更加邊緣、冰冷、不可理喻；楊德昌在努力介入社會，蔡明亮則只是一個冷靜的都市觀察家。他偏好非職業演員，使用漫長的長鏡頭，這些元素本沒有什么了不起，但蔡明亮將其極致化地呈現出來（比如楊貴媚在《愛情萬歲》十幾分鐘的哭哭笑笑），從而獲得世界如雷般的掌聲。蔡明亮其實永遠在拍同一部電影，他今年的《郊游》，同樣可以看到很多《愛情萬歲》的元素。

　　《西施》在華語電影史上的地位應該和威廉-惠勒的超級巨片《賓虛》好有一比奈菲影視劇官網。影片由李翰祥的“國聯”公司組織拍攝，片長達220分鐘，影片共搭景42堂，服飾六千多套，大小道具三萬多件，戰馬八千多匹，臨時演員12萬人，拍攝334天，戰車800輛，底片耗費12萬尺。這種耗費在電影史上，幾乎可以用“空前絕后”來形容。李翰祥在去臺組“國聯”后，頭兩部影片均叫好叫座，因此《西施》是他自信爆棚、從而不計成本的宏大制作。國聯廠刊由此將此片稱為“亞洲影壇有史以來最偉大的電影”，這一說法今天看來雖有軟文之嫌，但仍可管窺李翰祥創作高峰時期的不二氣質。

　　導演：李安獲獎情況：最佳劇情片、最佳剪輯、最佳電影音樂、最佳音效麻花tv版影視、最佳動作指導、最佳視覺特效

　　《臥虎藏龍》既是李安的驕傲，也是整個華語電影的驕傲。影片在第73屆奧斯卡獎上一舉奪得最佳攝影、最佳配樂、最佳藝術指導和最佳外語片四項殊榮，并在全球斬獲2億多美元的票房收入，這是迄今為止華語電影在世界范圍上的最大成功。《臥虎藏龍》當然不光局限在經濟指標上，在敘事上它以“差異化策略”融合了中國式的武俠奇觀和西方的教拯救精神，從而獲得中西同好。它整合了兩岸三地的電影精英，組織了國際化的創作團隊；它的成功甚至直接影響到2002年中國電影走向產業化的進程。

　　其他提名的影片：《我們都是這樣長大的》、《英雄本色》、《天天星期七》、《唐山過》、《最愛》

　　正如焦雄屏所評價的那樣，《》的魅力在于“對都市現代人孤寂、無力、背叛、欺騙、暴力及潛在的恐怖有詳細的揣摩”。這種對都市人群焦慮處境的真實拿捏，在電影的創作系譜中是前所未有的。楊德昌秉承了他一貫的知性思辨風格，并在創作中強化了他的形式主義技巧。這不僅體現在對影像的塑造力上，也包括被影評人所津津樂道的震驚性的結尾。《》不僅獲得了金馬獎的肯定，還獲得了1987年的英國國家電影獎、洛迦諾影展最佳導演獎、亞太影展最佳編劇獎并入選戛納影展“一種注目”單元。這是電影從本地走向國際的重要作品，代表著楊德昌人生第一個創作高峰。

　　導演：李安獲獎情況：最佳影片，最佳導演獎，最佳男主角獎，最佳新人獎，最佳改編劇本，最佳造型設計，最佳原創電影音樂

　　第44屆金馬獎上，李安導演憑借《色，戒》這部年度爭議之作，一舉奪得包括最佳影片、最佳導演、最佳男主角在內的七項大獎，而初次演戲的湯唯也借此贏得了最佳新演員獎。而早在幾個月前，《色，戒》才剛剛擒獲了第64屆威尼斯金獅獎，繼《斷背山》之后再度轟動水城。無疑，《色，戒》的莫耀也伴隨著鋪天蓋地的爭議。作為改編自張愛玲的作品，李安導演的整個拍攝過程可謂精益求精，甚至心力交瘁。與此同時，梁朝偉也就此貢獻了有史以來尺度最大的演出，堪比當年王家衛的《春光乍泄》。時過境遷，當昔日的風波漸漸消退而去，人們回過頭來重新審視《色，戒》時，才日漸驚異于李安導演的天才手筆。遺憾的是，太多的“”傳言終究蒙蔽了太多人的眼睛。

　　《榴蓮飄飄》誕生的2000年，也是陳果導演的創作鼎盛期。繼廣受贊譽的“回歸三部曲”（《香港制造》、《去年煙花特別多》、《細路祥》）之后，陳果導演輾轉北上，決意再拍一個“北姑三部曲”，而《榴蓮飄飄》便是此三部曲的第一部。影片中的“榴蓮”與“飄飄”則代表了南方與北方的兩種標志性意象，也成為了陳果導演寄寓情感的最佳城市載體奈菲影視劇官網。當年金馬獎上，與《榴蓮飄飄》棋逢對手的是關錦鵬導演的《藍宇》，兩部影片分獲最佳影片與最佳導演，與此同時，同為內地演員的秦海璐與劉燁則分獲帝后。于是，王小帥導演《十七歲的單車》就這樣被冷落了，當時還引起了焦雄屏等人的強烈不滿。但總體而言，如此獨具草根情懷的《榴蓮飄飄》能夠笑到最后，也是當之無愧的。

　　毋庸置疑，許鞍華導演是第36屆金馬獎最名副其實的贏家。相比其他提名影片，《千言萬語》的電影格局無疑是最洞徹人心的。本片以愛情包裹，反映了香港七八十年代的一系列重大事件。風起云涌的覺醒，顛沛流離的命運碰撞，許鞍華以一種女性導演所少有的蕩氣回腸奈菲影視劇官網，精彩地回顧了香港本土知識分子自覺反抗港英的艱難歷程。在許鞍華早期電影中，《千言萬語》無疑是獨樹一幟的，也歷來被認為是“香港電影新浪潮”中無可替代的光輝一頁，更一度被選為“香港電影百佳”之一，與徐克、譚家明、嚴浩等導演齊名。回首當年的金馬獎，與《千言萬語》同臺競技的多為愛情片，如張艾嘉的《心動》、馬楚成的《星愿》、張作驥的《黑暗之光》等。但相較之下，這些影片盡管叫好又叫座，格局上終究是小了點，遠不如許鞍華悲喜交織的歷史華彩。

　　對于“新電影”運動而言，《小畢的故事》注定是無法繞開的歷史性一幕，更在影史上占據著舉足輕重的地位。本片根據作家朱天文的同名小說改編，以青少年成長主題引人注目，影片風格清新而寫實，充滿了獨有的生活氣息。而更重要的是，它進一步刷新了以往電影大喜大悲的傳統模式。也正是從這一年開始，侯孝賢與朱天文這對金牌搭檔，開始了長達十幾二十年的密切合作。如今，再回看當年同臺競逐的其他影片，前有胡金銓、李行、白景瑞橫跨三世情緣的《大輪回》，后有楊德昌導演深邃而耐人尋味的《海灘的一天》，但不可否認的是，誰也沒有《小畢的故事》更清新質樸，而又真切感懷。要知道，這些年炒得沸反盈天的“小清新”風格，倘若真正追溯起來，也將注定繞不過《小畢的故事》。

　　這是第一部獲得金馬最佳劇情片大獎的參賽電影，其歷史意義不言而喻，從這部開始，兩岸的電影文化交流上了一個新的臺階，而這部電影作為姜文的作，吹響了這位電影天才橫空問世的號角。

　　這片可以說是除了《牯嶺街》外最好的一部關于青春的華語電影，但始終讓人疑惑的是姜文到底是在緬懷自己的青澀年代還是緬懷那段特殊的歲月。影片過度的曝光和屋頂上的熱氣升騰都象征著他依舊迷戀“紅太陽”的溫度和炫目，而關于記憶的真實性則被他一股勁兒抖成了機靈，他徹底回避了到底何為幻想何為真實，于是，年輕生命的飛揚和特殊情景下的全民癲狂混淆不清，倒是成就了類似費里尼一般的表述：一個男孩怎么慢慢變成男人的。

　　不管對其主題如何質疑，都不得不承認姜文的電影語言是第一流的，電影院里的黑暗都仿佛被銀幕上的過度曝光驅散，人人心頭都是陽光的味道，再加上燒荒草的氣味，仿佛把雄性荷爾蒙都種植在了每個觀影者心里，而唯一能澆涼我們的是結尾：馬小軍想從水中爬到岸上，每每接近岸邊，就有一條腿將他踹回水里，一次次徒勞的努力，一次次地墜落。我始終堅信：電影就應該在這里戛然而止最為完美。

　　1987年，“解嚴”前夕，高壓已經悄然而逝，之前不敢涉及的題材和歷史禁忌也開始解凍。王童，這位被譽為“的今村昌平”的導演，用影像來見證歷史，拍出了《稻草人》，這部宏大歷史下的小人物無言悲情的黑色喜劇。

　　本片為近代史鄉土電影三部曲的第一部。與《香蕉天堂》(1989) 《無言的山丘》(1992)構成了近代史鄉土電影三部曲。而正是有了太平洋戰爭時期農民荒誕悲劇的《稻草人》，方才有后面初到之后白色恐怖時期士兵悲慘命運的《香蕉天堂》及描寫日據時代初期礦工悲慘生活的《無言的山丘》。整個三部曲通俗易懂，用本土觀眾喜聞樂見的喜劇故事打磨出特殊歲月的生活磨難，深入人心。

　　王童于時代變遷對個體命運深刻影響的表述，直接影響到了一批導演去回溯中國一個多世紀的悲情歷史，加上各自琢磨出個人的影像風格和美學氣質，中國電影的品質迅速提升，成為國際影壇上的一批生力軍，這里面就有后來華語片第一座金獅獲得者《悲情城市》。

　　被譽為電影教父的李行之成名作。本片和李行導演的1960年的《街頭巷尾》、1963年的《蚵女》一起，成為“健康寫實主義”的濫觴，也是電影對于家園生活最溫情的描述。健康寫實主義之后成為電影的潮流，盛行了十余年，打下了電影工業的基礎。

　　1960年代初，成功完成了土改，農民收入大幅攀升，“中央電影事業股份有限公司”決定拍一批如實反映新農村生活的電影，而李行恰逢其時，也力圖挖掘鄉土之美，轉化成電影中對土地和勞動的謳歌及對縈繞不去的鄉愁，兩下一拍即合電影10000網。主旋律電影最后被李行硬生生地擰成了“路線創作主義”，《養鴨人家》正是其標桿。電影對田園風光和質樸農民的刻畫戰勝了生硬的理念灌輸，鄉土電影在此刻開始崛起，直接啟發了后來王童及侯孝賢等人的創作，影響深遠。

　　片中最美的一刻是小月夕陽下追養父，紅紅的晚霞染遍了天空，清新淳樸的鄉土風格和父女情深被風景映襯，尤為動人，此刻中國傳統文化里的價值觀和道德觀沖擊著觀者的心，而質樸的對白如同詩一般被誦出，更增添了片中對親情的感染力最簡單的道理就在最樸素的生活中。

　　本片是上世紀中葉盛行一時黃梅調電影的巔峰，同時也是當時整個華語電影工業實力的一次呈現，李翰祥導演和邵氏攜手，用大手筆打破了以往粗制濫造的內景限制，電影語言尤其流暢，攝像機的平行運動和特寫的捕捉、美輪美奐的美術、精致的人物服飾搭配、光影流轉輔佐動聽的黃梅樂調、飽滿的人物勾畫和表演，打造出華人特有的音樂電影類型片，可說絲毫不遜于同時期的好萊塢工業水準。

　　長達20多分鐘關于梁山伯與祝英臺“十八相送”的經典戲曲再現，是本片最為經典之處，祝英臺用各種比興和比喻來暗述衷腸，而梁山伯則不通款曲，一個情生意動，一個憨厚懵懂，李翰祥用極為高明的電影手法將兩人三載同窗，抵足而眠的相親相愛刻畫得淋漓盡致。

　　除了藝術手法外，本片當年橫掃金馬獎的另一原因就是“反串風”的盛行。流行的歌仔戲，也是由女性反串重要男性角色的，是以當年凌波飾演的梁山伯，毫無違和感，讓萬人空巷，連映196天，收入800多萬，打破了之前的票房紀錄，凌波一夜之間從一介新秀變成巨星，甚至很多師奶影迷，登報稱自己是凌波的親生母親（凌波是棄兒）。尤為傳奇的是，金馬獎也迫于壓力，在頒給樂蒂最佳女主的同時，專門成立了一個特別演技獎表彰凌波以安撫影迷。

　　其他提名影片：《阿飛正傳》、《推手》、《阮玲玉》、《娃娃》、《拳王》，陣容之強是今日不可想象的。

　　本片在楊德昌所有電影里和《一一》并稱他最好的兩部作品，自問世以來，愈來愈多的人都認為其是華語影壇不可復制的經典，甚至堪稱自1949年以后的“最佳華語片”，是以在金馬獎重新盤點里獨占魁首，毫無異議。楊德昌借用1960年代，威權時代一群少年的蛻變和青春期純真夢想的破滅，質問利益世故的社會是如何用“制度殺人”，“環境殺人”，折射出那個特殊年代窒息的社會氛圍，也是一件獻給所有人成長歲月的祭禮，一出唱給所有人青春年華的史詩青春總被社會挫敗，正如內地一位青年導演所說：“所有關于青春的一切都被他表達盡了。”

　　電影融合了楊德昌中學時的真實成長經歷和他三十年后重溯那個年代的全新歷史觀點，投注了楊德昌對于電影的所有理想和感情，處處流露著他對過往不可追的傷感緬懷，加上對年代細節寫實性的考究，電影工業技術上的精雕細琢和精益求精，時至今日來看，電影的完成度都堪稱完美。電影時長4小時，這在華語片里非常罕見，人物更達百人，楊德昌展現了他驚人的調控能力，故事和人物架構得相當勻稱，十二組人物錯落有致，勾勒出了龐大的社會表述和歷史軌跡，導演還用三十年時間去除了情緒里的火氣，冷靜理性地完成了權力和金錢是如何一代代無情腐蝕開來，毀滅了每個人純潔性精準刻畫。

　　楊德昌還借用這部電影聚合和訓練了一大幫青年電影人，是他牽首簽署“電影宣言”后用實際行動所做出的表率，打破乃至華語電影傳統制作上的囚禁，用全新的電影語言和電影工業要求建立更理想的制作環境及創作方向，也為電影工業輸送了大量新鮮血液，當年參與演出和制作的張震、柯宇綸、鴻鴻等人已經成為電影工業的中堅砥柱。

　　其他提名的影片：第48屆金馬獎上，同獲最佳影片提名的還有《桃姐》《鋼的琴》《讓飛》《到阜陽六百里》4部重磅和誠意之作。

　　82年前，原住民賽德克族在頭人莫那-魯道的率領下，發動了式的抗日起事，先在南投縣的霧社向日本平民展開復仇式，然后退歸山林，以三百勇士對抗三千日軍，至死方休。這是一場明知無幸，依然飛蛾撲火般的反日抗爭在電影界，魏德圣努力程度、執著程度有目共睹，態度也謙遜至自稱“小導演”。從他本人的維度來看，《賽德克-巴萊》確實是其最好的作品，雖然為了追求史詩風格、宏大敘事，而拖延到笨重臃腫的270分鐘。

　　客觀來說，比起陰柔的《海角七號》以及長期萎靡的電影界，《賽德克-巴萊》確是威武雄壯的；然而比起《桃姐》《鋼的琴》《讓飛》等同年入圍者，它卻實實在在是一只紙老虎。有趣的是，為在內地順利上映，魏德圣重新剪輯后的153分鐘版，相比臺版反而更洗練、更精純，甚至充滿了令人屏息的力度和胸懷。魏德圣雖然以“楊德昌副導演”之名受人頂禮、甚至膜拜，但卻著實是一位遠未成熟的電影工作者正如寫文章一樣，不知如何擱筆，實在稱不上是一位一流作家。

　　導演：李嘉當年獲獎情況：最佳劇情片獎、最佳導演獎、最佳童星影視世界從前任開始、最佳彩色攝影、最佳剪輯、最佳彩色美術設計獎

　　少女若蘭童年時期因患小兒麻痹，將自己封閉起來。在成長的過程中，她與從小一塊長大的大衛產生情愫，一直默默喜歡她的文雄則守護著他。后來，若蘭讀懂了文雄的良苦用心，謝絕了大衛的好意，和文雄一起參加蘭花比賽。當主辦方宣布若蘭和文雄一起培植的蘭花得了金獎時，若蘭奇跡般地站了起來，蹣跚著向主席臺走去。

　　雖然延續了第三屆《養鴨人家》的“健康寫實主義”套路，但到了第五屆，這種套路的電影，純粹成為了意志的產物，呈現出一種不真實的“正面導向”，不僅情節無趣，主題展現也并不鮮明。按理說女主角該是身殘志堅的典范，但實際上更多被表現的是三角戀中的小家子情緒，而種植蘭花就能讓殘疾的女主角奇跡般站起來的結局，如今看來只能說是天雷滾滾，這種“想象力”無疑違背了科學常理，再度證明該片獲獎的荒謬性。

　　導演：張曾澤當年獲獎情況：最佳影片獎、最佳導演獎、最佳編劇獎、最佳彩色攝影獎、最佳剪輯獎、最佳錄音獎。

　　筧橋驅逐機四大隊隊長高志航，是位出色的飛行員，素以訓練嚴格，作戰勇敢著稱。淞滬戰爭爆發的次日，1937年8月14日，高志航率大隊痛殲日本來犯的木更津航空隊。大隊飛行員個個英勇奮戰，視死如歸。沈崇誨以戰機撞擊日本軍艦出云號而壯烈犧牲；閻海文因墜落日軍陣地，為免于受辱而拔槍自盡；劉粹剛則獨立應戰而與敵人同歸于盡。高志航一人擊落六架敵機，首創殲敵紀錄。筧橋的英烈們首戰告捷。11月21日，日軍又從空中來犯，高志航率E16戰斗機從蘭州起飛，在周家口擊斃日本空軍將領原田浩后壯烈犧牲。

　　早在14屆金馬獎，大獎的選擇還是分外“主旋律”。這部除了空戰之外略顯空洞的電影，即使拿到大獎，也沒能名垂影史。本片主題，就是宣傳中華空軍的歷史，塑造了空中大隊長高志航、劉粹剛、閻海文、沈崇誨壯烈犧牲的抗日英雄形象，對觀眾進行愛國主義教育。唯一可以令人稱道的，以70年代的技術背景拍出了逼真的空戰場面。此外，片中軍嫂因為丈夫犧牲而的內容，并不容易讓人接受。比較諷刺的是，這部抗日電影由日本特攝團隊支援拍攝，也算是一大嗟嘆了。

　　廣州黃花崗起義失敗后，同盟會中部總部派元老譚人鳳到武昌，組織有不少同盟會會員的四十一標新軍蔣翔武為首的文學社，與孫武、鄧玉麟為首的共進會兩派，團結一致，武裝起義推翻清王朝。總督瑞征與統制張彪派四十一標新軍前往，文學社與共進會推舉孫武為領導，修定計劃。10月10 日黨人以工程第八營率先起義，軍分三路攻湖廣總督府。 次日軍占領武昌城，風暴席卷全國，終于推翻了清王朝。

　　本片又是一部徹頭徹尾的“軍宣片”，演員的表現略顯夸張，說好聽點是熱血激蕩，說難聽點則是煽動過頭反成滑稽。影片要處理多條錯綜復雜的關系，顯得有些凌亂。當然它對辛亥也提出了一種新的角度，弱化了孫文的力量，而強化了社會幫派的作用，從另一方面來說，黨的覺悟也被弱化，“”仿佛成了“行俠仗義”和“反清復漢”的新解釋。

　　當年的褒獎，恐怕更多是為了給“大制作”獎勵，本片是邵氏與中影合拍、港臺首部反映辛亥勝利的影片。一方面，邵氏出動了狄龍、汪禹、爾東升、陳觀泰、羅莽等明星，而方面有林鳳嬌、柯俊雄、王道等大牌，另一方面，大歷史背景下的場面也算拍得大氣磅礴。但嚴格說來，它比不上《苦戀》的人文氣質和主題力度。

　　導演：羅啟銳當年獲獎情況：最佳影片、最佳導演獎、最佳原創劇本獎、最佳攝影獎、最佳剪輯獎、最佳電影原創音樂獎、最佳錄音獎

　　有的時候，越充足的情感，越是需要在主題判斷上做一個“了斷”。《七小福》的情感在各種維度的情感都有強烈的追求欲，在香港文化史的一角注視著傳統藝術被現代工業沖擊，歷史背景中有各類性格孩子的懵懂記憶，如期而至的愛情，師徒情學友情，悼念以及數不清的遺忘真實中的大徒弟扮演當年的老師傅，戲中有戲是巧，但表演上不敢做何怠慢是真（或者說做些額外的感想），這一切，都太像我們遐想中的情境，太像作為宗師而宗師的“葉問”，而最后所謂的舊人舊事舊情，僅僅是它所呈現出來的樣子而已。

　　何為經典電影，不但要尋找通感的方式，也要給理性留有余地，思辨后的感性才經得起回味。《七小福》缺少一種核心態度，就像羅啟銳后來的《歲月神偷》，能賺得眼淚但不會讓任何一個事外者有重新查閱舊時光的刺激，但是一旦當中有曖昧不明的態度進入架構中的情感，就會遭到懷疑，比方說《歲月》中對英國上門收稅的描寫，就引起評論學者的不滿，至少，那不應該是浪漫中的一部分。《七小福》緬懷到最后，對主人公們在新時代電影工業上的成就豎起拇指，這個結論建立在睹物思情之上，作為人生哲理，它顯得太過單薄。

　　我們只能從歷史的角度追溯它的價值麻花tv版影視。1988年，正是洪金寶、成龍、元彪紛紛自助公司自建班底的時刻，在周星馳還沒笑出名堂，周潤發剛剛火起片刻，“七小福”的確就是當時香港電影的龍頭老大，從市場來看，甚至是電影的龍頭老大。在文藝氣氛中樹碑立傳，那真的是一件賺取休聲美譽的好事。但是現今來看，他們各自的形象，各自的跡象，各自的念想電影10000網，都在公眾對他們的態度上反應出來《七小福》中于占元先生傳教的東西，和現實里似乎都不大一樣。時過境遷，至少我們無法再從這部電影中得想象中信仰所具備的那份偉岸。

　　如果選擇了一個能為自己加分的話題，而在拍攝手法上流于平庸，那是一種懶惰，如果選擇了一個能為自己加分的話題，不流于平庸，卻又故意夸大這個話題中的加分元素，則是一種不誠實，陸川的《可可西里》屬于后者。乍一看，本片在反映保護藏羚羊志愿者生存狀態的問題上，相當深刻，也很感人，但當我們深入去了解電影背后的真實，會發現，陸川對當下電影市場最買賬的元素，做了不切實際的處理，而在做了這樣的處理之后，陸川透過電影表現出來的態度卻是：這是一部完全基于現實的電影，它的寫實程度不亞于紀錄片。因為這個時候放棄紀錄片式的真實力量，對打動觀眾來說，顯然是不明智的。《可可西里》里的角色，或者說角色的原型值得我們崇敬，但這部電影卻是在消費他們。而在這個電影很多，信息龐雜，生活壓力很大的時代，作為觀眾的我們，多數是沒有太多精力去一探究竟的，我們把全部的信任，交給了呈現著那片土地的大銀幕，金馬獎評審團想來也是如此，總之，本片不但對上了市場的口味，也對上了金馬獎的口味，畢竟，它“沉重的人文關懷”正中靶心奈菲影視劇官網。

　　《星星月亮太陽》是在第一屆金馬獎上獲得最佳劇情片的電影，講述了在抗日戰爭前后，三個個性迥異的女性與男主角的情感糾葛，并由這些小人物來反映大時代，電影分上下部，篇幅很長，但由于劇情起伏過多，完全是長篇電視劇的模式，所以，本片的節奏很趕，在敘事上依然顯得平鋪直敘，如同故事梗概般缺乏血肉。但是，本片卻擁有此后金馬獎一直比較偏愛的一些特點，如探討不同人的生存狀態，人性光輝和人文關懷，提及卻不觸及敏感領域等等，加上它有一個比較恢宏的時代背景，作為開局，也挺有范兒的。

　　導演：劉家昌當年獲獎情況：最佳劇情片獎、最佳編劇、最佳彩色片攝影、最佳非歌劇影片音樂、最佳錄音

　　第13屆金馬獎上，愛國主義題材的電影爆棚，《八百壯士》、《香花與毒草》、《古寧頭大戰》、《梅花》等影片皆是抗戰愛國題材。現在看來，《梅花》也不過是主旋律抗日電影中爛大街的一種，確切的說，是主旋律抗日電視劇里最常見的一類，國仇家恨，男女感情糅雜在一起，抗日愛國人士以高大全的形象出現。相比起同時代類似題材的電影，《梅花》的演員陣容十分強大，胡因夢、恬妞等人都是正當紅之時，劉家昌為本片譜寫的主題曲也十分槍眼，這些優勢無疑為它獲得最佳劇情片大獎助力不少。

　　本片的片名直接明確，但內容落實卻混亂不堪，當觀眾看到這樣的片名，期許著一部感人至深的父子情電影時這也是香港電影十分擅長的，卻看到的是各種情緒處理的不到位，父子間的互動缺乏亮點，角色的塑造也相當含混，讓電影變得更加糟糕的，則是各方面的用力過度，比如剪輯，也許導演做了多年的剪輯和藝術指導工作，試圖在這方面凸顯個人風格，在片中夾帶了太多似乎為了創造各種含義，或者各種情緒而存在的鏡頭剪接，反而讓影片的情緒顯得斷斷續續。不過，在入圍名單中，《瘋狂的石頭》和《放逐》都不是金馬獎最親睞的題材，《詭絲》各方面的實力都較弱，《如果，愛》是唯一一部在情感和藝術走向上，跟《父子》有些競爭的電影，而它拿走了最佳導演，《父子》拿走最佳劇情片，人人有份。

　　退伍老兵老莫用積蓄買來玉梅做老婆，玉梅賢惠善良，最終兩人感情日益深厚，生活也越過越甜蜜；老莫的戰友常若松也是用積蓄買的老婆，名叫瑪娜，但他的老婆卻整天跟不良青年混在一起，最后下場凄慘，這條次線的處理，在《老莫的第二個春天》里是一大瑕疵，過于簡單粗暴，其作用似乎只是為了對比出：只有像玉梅這樣溫良，甚至有些逆來順受的女人才能得到幸福。玉梅和老莫的這條主線本身并不存在問題，畢竟，接受被賣過來的現實，好好過日子是玉梅自己的選擇，但次線卻單純被作為了反面教材，其實瑪娜只是跟玉梅相反，選擇了消極反抗而已，這本是一條能給電影帶來更多深度的線索，最終卻過于淺白和煽情，從實力上來看，擊敗侯孝賢《風柜來的人》，確實有些說不過去，但它

　　導演：關錦鵬當年獲獎情況：最佳劇情片、最佳女主角。最佳原創劇本、最佳攝影、最佳服裝設計、最佳剪輯、最佳錄音、最佳原創音樂

　　三個分別來自中國、香港和的女人，遠在異國他鄉的生活際遇，這確實是一個充滿話題感的設定，或者說是概念，但在短短88分鐘篇幅的《人在紐約》中，話題尚未完全展開，概念也真的被處理成了概念，導致影片開啟了一個深刻的話題，卻未能深入展開，僅靠對女性情感的表述較為細膩，就擊敗了當年的大熱門《悲情城市》，這是令關錦鵬導演自己都羞愧難當的一件事。不過話說回來，侯孝賢在金馬獎充當“陪坐”，也幾乎成了家常便飯，這一次，是故事主題的敏感性把他阻擋在了最佳劇情片的大門外，對于話題，金馬獎似乎一向如此，它不完全對其排斥，比如《人在紐約》多少也有些感在里頭，但它很少喜歡說的過深的電影。

　　《小鎮春回》，一部關于某家庭三個女兒的婚姻大事的電影，其中大女兒內向，二女兒能夠持家理財，三女兒是歌星。覺得這樣的設定有些面熟？沒錯，這是金馬獎喜歡的一大類型。而在1960年代后期，《小鎮春回》還是一部響應當時開展凈化道德運動號召的作品，可謂順應了主流，當年很多電影都沒有脫開這樣的家庭倫理去謀篇布局，本片是各方面都做得比較到位的一部，但也僅此而已。

　　《爸媽不在家》是第50屆金馬獎的大贏家。也是新加坡青年導演陳哲藝的第一部長片。除了在國際影展上披金斬銀，《爸媽不在家》的最大意義是給新加坡電影注入了信心。對中國觀眾來說，難得看到一部比較扎實沉穩的中產階級家庭題材，甚至，這也是華語電影里頭異常重要但在當下卻稀缺的題材類型。有人說，《爸媽不在家》讓他們想起了楊德昌，當然，楊德昌的格局恐怕會放得更大，而不僅限于一個家庭，但這種聯想的產生卻是有足夠的事實和理由。

　　本片有著一股濃濃的四十五度角仰望天空，眼角有淚滑過的感覺，實際上，電影里還真就有這樣的鏡頭，唯一的區別可能只是，四十五度角仰望天空的女主角沒有流淚，而是用最甜膩的腔說道：”我喜歡陽光的感覺，但是,天空總是陰陰的。”BGM是提琴演奏的傷感的旋律，于是，各種元素柔和，使得即使在一部電影里，這樣的腔也顯得刻意造作。一個普通家庭的冷暖人生，在《當愛來的時候》通篇歇斯底里的狀態中，不但不能自然流露真情，反而像是八點檔狗血劇。第47屆金馬獎是存在爭議較多的一屆，主要集中在演員獎項上，不過，這導致很多圈內人和媒體認為，近些年金馬獎雖然努力在兩岸三地的電影選擇中做到公正，但它還是更偏愛走傳統電影路線，表現某些群體眾生相的作品，這種評判，至少在當年的金馬獎最佳影片的選擇上有些道理，商業和藝術都不是入圍片里最出色的《當愛來的時候》，恰是最有臺味的。

　　本屆金馬獎跟以往喜好百姓家常、小格局、人文氣息不同，而是一派江湖俠氣，重要獎項皆被武俠、武打或動作片占據，比如改編自楊門女將事跡的《十四女英豪》、李小龍主演的《猛龍過江》，以蔡鍔為主角的《忍》，其中，大熱門《十四女英豪》和《忍》，前者是邵氏出品的香港片，后者是本土片，若從品質上來說，《十四女英豪》更勝一籌，拍得比較大氣，富有史詩感，動作戲也很有想法，人梯的那場戲令人印象深刻，《忍》則是將動作戲依托史實背景，亮點不多，不過，他塑造了一心為公，反抗袁世凱統治的蔡鍔，也算得上是當年合格的主旋律了。

　　金馬獎一貫親睞富有人文關懷，反映民情民生，最好是略微苦情一點的電影，這種傾向在金馬獎早期更是明顯，而1967年，導演李行獲得最佳劇情片的《路》，就完全符合這些特點，但是，在追求實現這些主題，情緒的時候，《路》處理得有些概念先行，情節推進不夠自然，有刻意之感。時間也證明了本片其實是李行導演生涯中比較普通的一部作品，它很快被觀眾淡忘，同年獲得獎項的作品，如獲得優等劇情片獎、邵氏出品，胡金銓導演的《龍門客棧》，則歷久彌新，成為經典。

　　上世紀八十年代中期，是侯孝賢巔峰期的開始，金馬獎也因有了這樣一位導演的“參與”，變得更加精彩，但由于那時正是電影新舊思想交替之時，評審團內部也常常存在兩種不同的聲音，這也導致侯孝賢雖然經常入圍，卻總是做了陪襯，第22屆金馬獎最佳劇情片得主，最終敲定為《我這樣過了一生》，就是經典電影對新電影的勝利，本片無論在手法還是表達的道德觀念上，都符合“舊派”口味。

　　導演：戴立忍獲獎情況：最佳劇情片、最佳導演、最佳原著劇本、年度杰出電影、觀眾票選最佳影片（第46屆）

　　《不能沒有你》是一部很容易調動觀眾感情的電影，在這一點上它很出色，但這種力量，有至少七成來自于它的取材。電影根據2003年的一則社會新聞改編，片中父女親情卻要因政府制度的不合理、官員的遭到分割，這種事情本身就讓人憤怒且同情，只要處理的中規中矩，不出偏差，都不會有大問題，而《不能沒有你》恰恰是滿足于中規中矩的，而且，父女在互動的處理上，甚至有些弱。不過，本片在2009年上映之后，就一直是熱捧的作品，包括被報送奧斯卡最佳外語片，加之同時入圍最佳影片的其他作品，明顯不合當時金馬獎的口味，所以這部還不錯的電影當年獲得大獎，并非意料之外的事。

　　跟張作驥絕大多數電影一樣，《美麗時光》將鏡頭對準了邊緣的、底層的人，主題是殘酷青春，情緒渲染比較到位也很動人，但對于金馬獎最佳劇情片這個名頭來說，《美麗時光》還是有些平庸，它重復著電影中最常見的情緒和話題，美學上又太像侯孝賢而沒有導演自己的突破，但是因為當年入圍的幾部電影都沒有太多亮眼的表現，加上世紀之交正是中國電影比較低迷的時期，連政府都在想辦法鼓勵本土電影，所以在實力差距不大的情況下，略微有些偏向似乎也是可以理解的。

　　陳可辛的文藝與細膩，放在他的電影里，體現的是他的個人風格，但放在《投名狀》。